Deset bollywoodských a nezávislých filmů z 21. století, které musíte vidět
Podle kritiků byla devadesátá léta mizerná. Ale na přelomu tisíciletí se věci jen zhoršily. Právě když byly všechny naděje ztraceny, zázračně, díky vzniku nového druhu nezávislých herců a režisérů, Bollywood zamířil k seismickému posunu, jehož dědictví jej formuje i dnes.
Podívejte se na náš výběr bollywoodských a nezávislých filmů 21. století.
Vzpomeňte si na „moderní“ Bollywood a vynikají dva filmy. Oba se od sebe svým námětem a vizuálním stylem tak nehorázně liší, že jejich samotné vyslovení jedním dechem může pro cinefily znít jako pobuřování. Ne tak zhurta. Jsou to Satya a Dil Chahta Hai. Nedivte se, že první, kdo se tímto prohlášením urazil, je samotný Ram Gopal Varma, Satyův ‚ztracený génius‘ a muž, který v 90. letech s Rangeelou předefinoval gramatiku romantiky. Ale dejte si chvilku, abyste si srovnání nechali proniknout. Poškrábejte povrch a mají pár věcí společných. Satya prakticky vynalezl moderní bollywoodský realismus. Odehrávající se v Bombajské gangsterské zemi to bylo na jedné úrovni možná více fantazie než realita. Podle individua RGV, dnes zredukovaného na ducha minulosti, byla Satyova odvážnost, počínaje titulem, ovlivněna strašidelným Ardhem Satyou Govinda Nihalaniho.
Jinými slovy, co Satya udělal s „realismem“ to, co udělal Dil Chahta Hai od Farhana Akhtara s urbanismem, hra měnící debut, který položil základy pro každou zdvořilou komedii, která po něm přišla. DCH nás ohromilo svěžím zobrazením městského realismu. Satyovi neotesaní gangsteři mluví hodně jako neotesaní gangsteři, pokud tedy osobně neznáte uhlazeného mafiána, který, jak jednou poznamenal textař Gulzar, by místo ‚Goli maar bheje mein‘ vzýval Ghaliba. Na druhou stranu, městské bonmoty Dil Chahta Hai byly pravděpodobně poprvé, co jste slyšeli mluvit tisíciletí na hindské obrazovce. Vtipy z filmu nadále zdobí GIFy a memy.
DCH, poháněný trendy účesy (to se stává, když vaše žena vlastní salon), výlety po Goa a celodenní výlety elitních chlapců, si od svého vydání v roce 2001 získal obrovské množství fanoušků. Pokud občas soubor v dospělosti (v hlavních rolích Aamir Khan, Dimple Kapadia, Akshaye Khanna, Preity Zinta a Saif Ali Khan), se svými vysokými produkčními hodnotami hraje jako drahý reklamní film, svaluje to na režiséra Farhana Akhtara (těžící osobní zkušenost s privilegiem a odmítnutím vlít do scénáře), který se před filmovými dny ořezal v reklamě.
Dnes jsme možná ztratili Farhana Akhtara režiséra, bohužel, Farhana Akhtara, herce, jeho debut přišel v době, kdy Bollywood zoufale potřeboval odvážné nové hlasy. To bylo dlouho předtím, než na scénu vtrhli Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj a další předzvěsti naděje, aby nám poskytli vlastní interpretaci „lásky“, jako by chtěli zpochybnit bollywoodský vzorec. Zatímco továrny na lesky Karan Johar byly o lásce ke své rodině, Kashyap, Bhardwaj a podobní tuto myšlenku v otevřeném vzdoru převrátili a místo toho zastávali dysfunkční rodiny a vztahy, které byly pravděpodobně reálnější než Joharovy designérské emoce.
Hindské kino v tisíciletí s Amitabhem Bachchanem, největším ze všech, který se snaží najít své ztracené mojo přes Mohabbatein, narození Hrithika Roshana (také, žalostně, Amisha Patel v Kaho Naa..Pyaar Hai) a klasický Akshay Kumar-Tábor Suniel Shetty zvaný Dhadkan, ve kterém se obyvatelka Bollywoodu Anna odchýlila jako zhrzená milenka. Hity roku 2000 byly většinou vystřiženy ze stejné látky jako ty z 90. let, pupeční šňůru nakonec přestřihl svatý grál, kterým byl Dil Chahta Hai.
Dekáda roku 2000 možná měla opatrné začátky, ale nakonec, jak se ukázalo, se ukázala jako neocenitelná éra, která nám poskytla desítky vlivných filmů, které si můžeme vážit a přemýšlet o nich – dědictví, které trvá dodnes. Nejneobvyklejším vývojem hindské kinematografie 21. století je nečekaný vzestup tak různorodých talentů, jako jsou Irrfan Khan, Nawazuddin Siddiqui, Rajkummar Rao, Manoj Bajpayee, Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj, Radhika Apte, Ayushmann Khurrana, Sriram Raghaticky a V. Kaushal, abychom jmenovali alespoň některé. V ekosystému nově nalezené svobody a nového drásajícího řádu se hindské filmy staly odrazem společnosti, kterou jsme obývali, a zuřivě osobním vyjádřením tvůrců této nekompromisní značky kinematografie, což pomohlo vysvětlit tvůrčí oživení v Bollywoodu, které dříve nebylo vidět. Těžko říct, jestli to byl případ, kdy konečně našli puls publika, skupina nekonvenčních filmařů vnucujících publiku svůj vytříbený, encyklopedický vkus nebo prostě to, že diváci zbystřili. Víra v dobré kino byla obnovena. Když hranice mezi uměním a reklamou padly jako Berlínská zeď, z trosek se vynořily zajímavé příběhy, které porušovaly všechna pravidla a normy.
Khosla Ka Ghosla (2003) od Dibakara Banerjeeho, Munnabhai MBBS (2003) Raju Hirani, Swades (2004) Ashutoshe Gowariker a Dev.D (2009) Anuraga Kashyapa byly jen některé ze základních kamenů poslední dekády. Filmové typy jsou často opatrné vůči reklamě, ale je snadné zapomenout, jak moc reklama toto médium obohatila. Satyajit Ray a Shyam Benegal by prozatím měli stačit na vypuštění jména. Stejně jako oni, reklamní pozadí Dibakara Banerjeeho mu pomohlo proniknout do filmů. Khosla Ka Ghosla, něžná komedie, která si okamžitě vysloužila debutantské srovnání s díly Hrishikeshe Mukherjeeho, je kusem života, který si v průběhu let našel své oddané publikum. Ale na rozdíl od milovaného Mukherjeeho kariéra Bengálce od té doby vytvořila dráždivě odlišnou budoucnost.
Přijde rok 2005 a stará garda Sudhir Mishra přináší to nejlepší. Hazaaron Khwaishein Aisi, opilý stejnou měrou Marxem a Ghalibem, kombinuje režisérovy dvojí vášně – poezii a politiku. To, že žijeme ve významné době, lze soudit ze skutečnosti, že Dibakar Banerjee a Anurag Kashyap mohli natočit filmy po boku svých předchůdců, jako byli Mishra a Mira Nair. Mimochodem, Nair přinesla desetiletí s Monsoon Wedding, crossover klasikou z roku 2001, která byla podle kritika Philipa Frenche jejím nejlepším filmem od jejího památného debutu v roce 1988, Salaam Bombay!
Našich deset titulů odráží naši snahu zredukovat to nejlepší z éry po roce 2000, včetně těch posledních jako Piku, Mukti Bhawan a Dangal. Vysoce aktivní a přesto pomalejší než jeho vrstevníci, Padmaavat a Bajirao Mastani od Sanjaye Leely Bhansali jsou na našem seznamu. Tyto dva opusy magnum nejlépe reprezentují velkolepou citlivost, vizuální styl SLB, jeho jemný sluch pro hudbu a jeho samotnou schopnost vykouzlit vize krásy. Jeden historický epos za druhým.
Vedle eposů jsou uvedeny nedoceněné malé filmy, které možná některým z vás při prvním vydání uniklo. Necháme vás je objevit spolu s těmi známými. Klidně nesouhlas.
padmaavat (2018)
„Alláh ki banayi har nayab cheez par sirf Alauddin ka haq hai“ – Alauddin Khilji
Deepika Padukone a Shahid Kapoor v Padmaavatu. (Foto: Bhansali Productions)
Nejlepší filmy Sanjay Leela Bhansali jsou často v jádru milostné trojúhelníky odsouzené k zániku – Hum Dil De Chuke Sanam, Devdas, Saawariya a Bajirao Mastani. Deepika Padukone, Shahid Kapoor a Ranveer Singh, Padmaavat se neliší. Jako vždy se Bhansali chystá vytvořit opus magnum a tentokrát ho téměř dosáhne. Dotek SLB můžete vidět téměř v každém snímku, pečlivě vytvořeném jako barokní nástěnná malba, která vypráví ságu královny válečníků Padmavati (Deepika Padukone) a krále Ratana Singha (Shahid Kapoor), jejichž jediným účelem je připomenout divákům mnoho vlastností ( guroor, usool atd.), které definují Rajput hrdost. Vstoupí Alauddin Khilji, kterého hraje Ranveer Singh, Bhansaliho oblíbená múza. Khilji je vetřelec, v jejich manželství i v Indii, se zlými plány na obou. Od chvíle, kdy mu Bhansali v den jeho svatby představila zženštění, víte, že Khilji je nepředvídatelně nepříjemný, ale podivně vzrušující. Bhansaliho zlatý chlapec hraje mocného vyzyvatele Dillí sultanátu se směsí nezvyklého tábora a šmrncovního podvodníka. Střídavě jako předmět parodie a soucitu vzbuzuje dost temných sil, aby se Padmaavat stal jeho esem. Bhansali, který se zdvojnásobil jako režisér a hudební skladatel, využívá drama, scénografii, hudbu, atmosféru a poutavé linie hodné K Asifa k vytvoření nezaměnitelného monumentu SLB, který je stejně filmově záhadný jako historicky chybný.
Mukti Bhawan (2017)
„Koshish karne se kaun marta hai“ – paní Verma
Záběr z Mukti Bhawan. (Foto: Červený koberec pohyblivé obrázky)
Vzhledem k tomu, že relativně nízkorozpočtový Mukti Bhawan bez hvězdy od Shubhashish Bhutiani je meditací o ‚smrti‘, možná vás překvapí, když zjistíte, že je tak plná života, vše ostře pozorované a s obrovským smyslem pro humor. Bhutiani propojuje moderní Indii – věčně zvonící telefony, které ruší poklidné rodinné stolování, chatování přes Skype v zanedbaných kybernetických kavárnách, dívky jezdící na koloběžkách – s tradiční Indií a jejími zasazenými hodnotami a rituály. Film začíná stárnoucím Dayanandem Kumarem (Lalit Behl) prohlášením, že jeho čas vypršel. Jeho poslušný syn, světsky moudrý Rádžív (Adil Hussain) je hospodářem v hinduistickém smyslu slova. Jak nechat všechno za sebou a doprovázet otce na jeho poslední cestě ke spáse? Syn neochotně, spíše z důvodu povinnosti než lásky, souhlasí s výletem do Banaras, svatého hinduistického města, kde se Daya rozhodla zemřít. Název Mukti Bhawan odkazuje na rušný hostinec, kam se zatoulají staré duše, aby zemřely, ale jak hostinský hned na začátku krutě varuje, na smrt máte maximálně 15 dní. Potom? ptá se zmatený Rádžív. ‚Běž domů!‘ Bhutiani má talent na to, jak najít černý humor v těch nejvšednějších situacích. Takže máte hostinského, který opráší zvědavé dítě uprostřed nabízení perel moudrosti o „spáse“, nebo když Rajiv odpoví ironicky (toto může být nejzábavnější věta z filmu), Milionáři jedí ovoce, ne mudrci podle požadavků jeho otce. koupit ovoce k obědu poté, co je starý muž náhle inspirován k dodržování diety mudrce. Rajivův vztah s tátou Dayou tvoří emocionální jádro Mukti Bhawana a jako duo pouto k sobě (jedna scéna odehrávající se na Ganze, kde Daya sdílí jeho přání znovuzrodit se jako klokan, je symbolem toho druhu humoru, který si tento film libuje) navzdory Rajivovým počátečním obavám , je poselství filmu jasné: naučte se pustit.
Dangal (2016)
'Mhari choriyan choron se kam hain ke?' - Mahavir Singh Phogat
Plakát Dangala, hlavní role Aamira Khana. (Foto: Aamir Khan Productions)
Jen málo hvězd zná důležitost „melodramatu“ a jeho zvláštního vztahu k „zábavě“ v indickém kontextu jako Aamir Khan. Právě tato schopnost úspěšně překračovat vysoké a nízké umění z něj udělala kasovního molocha. Ve sportovním dramatu Dangal, inspirovaném životem zápasníka-trenéra Mahavira Singha Phogata a jeho dcer Geety Phogat a Babity Kumari, režisér Nitesh Tiwari stejně jistě jako Khan a ostatní talentovaní herci ví, že jde o Vozidlo Aamira Khana celou cestu. V Rang De Basanti nechal Khan ostatní chlapce, aby vystoupili a zachránili situaci. Tentokrát vyvrcholí, přestože publikum dívkám z celého srdce fandí. Hlavním problémem filmu je to, jak se Mahavir (Khan), drobný člověk, který se potácí kolem akadhů (prsten) a dělá ze života peklo svým dcerám (píseň Bapu, sehat ke liye tu toh hanikarak hai je vroucí prosbou dívek proti tatínkovu režimu), vybičuje nováčky Geetu (Zaira Wasim, Fatima Sana Shaikh) a Babitu (Suhani Bhatnagar, Sanya Malhotra) do zlatého stroje. Film začíná tím, že Mahavir touží po mužském dědici, ale když se jeho dcery vrátí domů poté, co zdrsnily místního chlapce, rychle odhalí jejich skrytý pugilistický talent. Jako většina chánských davových fanoušků je Dangal emocionálním úletem, který je až příliš rád, když do toho vrhne spousty sociálních problémů (patriarchát, posílení postavení žen, institucionální apatie, co si jen vzpomenete).
Piku (2015)
‚Kamaal hai, aap har baat ko pet ke saath kaise jodd dete hain?‘ – Rana, majitelka dopravní agentury
Deepika Padukone a Amitabh Bachchan v Piku. (Foto: MSM Motion Pictures)
Amitabh Bachchan si naposledy zahrál Bhaskara Banerjeeho v Anandu, ikonické tragikomedii z roku 1971, která signalizovala začátek jeho mimořádně dlouhých směn. O více než čtyři desetiletí později se Bhaskar vrací jako hypochondrický otec k tisícileté Deepika Padukone v tomto kousku života. Režisér Shoojit Sircar a spisovatel Juhi Chaturvedi jsou fanoušky teplých a každodenních komedií Hrishikeshe Mukherjeeho. V Piku slouží Bachchan jako odkaz z dávné minulosti, včasná připomínka toho, že Hrishikesh Mukherjee je dávno pryč, ale jeho vliv je velmi živý a nakopává nové filmaře. (Khosla Ka Ghosla může fungovat jako pěkný dvojitý účet s Piku). Všimněte si jemné ironie: v Anandovi byl Bhaskar lékařem, zatímco Pikuův Bhaskar (nebo Bhashkor, jak mu film raději říká) je druh všestranného šíleného kloboučnického pacienta, který by Anandova vážného a plachého doktora Bhaskara vyhnal na zeď. Je nepatřičně posedlý trávením – jako většina Bengálců, zjevně. Sircar staví do kontrastu otravného a přehnaného Bhaskara s tichou a odhodlanou rezervovaností své dcery Piku (Padukone). Tento film je o jejich nepravděpodobném svazku. V jedné legrační scéně se Bhaskar snaží odradit mladého muže, který by o ni mohl mít zájem, tím, že řekl: Ona není panna. Nechce, aby se vdala a nechala ho, aby se staral sám o sebe. Piku je o rodině a rodičovství (se spoustou řečí na nočník, které se vydávají za typický bengálský humor), ale také o péči, k čemuž se Sircar a Chaturvedi vrátili o několik let později v nezpívaném říjnu (2018). Překvapení: Neobvyklá chemie Irrfana Khana a Padukone, když se film řítí do zábavného výletu.
Bajirao Mastani (2015)
‘Aap humse hamari zindagi mang lete hum aapko khushi khushi de dete, par aap ne toh humse hamara guroor hi cheen liya‘ – Kashibai
Ranveer Singh ve filmu Sanjay Leela Bhansali Bajirao Mastani. (Expresní archivní foto).
Hrdina filmu Sanjay Leela Bhansali Bajirao Mastani musí dokázat, že je hoden trůnu Peshwa. Jeho ostrý šíp míří na svůj cíl a zasáhne býčí oko. Předmětem není hlava nepřítele, ale neškodné paví pero. Pod nimi jsou ukryty hromady symboliky. Ve vyprávění Peshwa Bajirao (Ranveer Singh) je páv symbolem Mughalské říše, země pod ním je indická půda, zatímco osudný šíp patří udatným Marathasům. Paví pero má symbolickou rezonanci pro události, které budou následovat, protože tolik ženatý válečník Maratha se zamiluje do muslimské Mastani (Deepika Padukone). Toto je klasický Bhansaliho výmysl – připravuje půdu pro hvězdné finále. Každá poznámka a argument v Bajirao Mastani je ostnatý s oboustrannou katarzí. Jak Mastani připomíná Bajiraově ženě Kashibai (jiskřivá Priyanka Chopra), držel mě za ruku, ale nikdy neopustil vaši a vytvořil se mnou pouto, přičemž zajistil, aby to vaše nebylo přerušeno. Pro Kashibai to byla dlouho připravovaná kletba. Hned na začátku je hvězdná scéna, kdy ji její ovdovělý přítel nesoucí manželův popel varuje, že stejně jako ona bude jednoho dne trpět pro lásku. Tady jste, typický SLB trápení, mučení a ztráta – každá postava si tím projde, protože ‚trojúhelník‘ není nic jiného než kruh agónie a extáze.
soud (2014)
„Těžké časy jsou tady/Jsme vykořeněni z naší půdy/Tato éra slepoty/Vypíchla nám oči“ – poezie Narayana Kambla (Sambhaji Bhagat)
Soud řídí Chaitanya Tamhane. (Foto: Zoo Entertainment Pvt Ltd)
Indický soudní systém je pověstný pomalý. Debut Čaitanji Tamhane sleduje indickou snahu o spravedlnost s chladným odstupem. Kamera sleduje nejen to, co se děje uvnitř soudu, ale i mimo něj, do života a mysli strážců spravedlnosti. Sociální aktivista a protestní zpěvák Narayan Kamble je zatčen za sebevraždu dělníka odpadních vod, který byl inspirován k tomu, aby si vzal život poté, co si poslechl jednu z Kambleových vzrušujících lidových písní. Velká část tohoto nenápadného filmu se odehrává v soudní síni v Bombaji, kde je Kamble předvolán k slyšení. Jednou z nejvíce fascinujících postav je obhájce Vinay Vora (Vivek Gomber), který, přestože zastupuje nižší kastu Kamble, od něj nemůže být více společensky vzdálen. Privilegovaný a muž vytříbeného vkusu (milovník sýrů, vína a jazzu), jak se může skutečně považovat za šampiona chudých, když sám žije tak elitní život? Ve srovnání s tím státní zástupkyně Nutan (Geetanjali Kulkarni) vede jednodušší život a ztělesňuje středostavovskou obyčejnost, která ji řadí do stejné společenské třídy jako Kamble. Tamhaneův přístup k právu a zákonodárcům je střídavě satirický a empatický, ale jedna věc, která je pro jeho úspěch klíčová, je, jak pozorovací a objektivní se projevuje. Dobře zahraný (většinou nováček) a podnětný k zamyšlení, Court je triumfem naturalismu.
The Lunchbox (2013)
‚Kabhi kabhi galat vlak bhi sahi jagah pohocha deti hai‘ – Shaikh
Irrfan Khan na snímku z The Lunchbox. (Expresní archivní foto)
‚Osamělé duše se setkávají nad indickými plechovkami na tiffiny.‘ Tak pozdravil The Guardian oblíbeného festivalu Riteshe Batry, v hlavní roli s tvarem měnícím Irrfanem Khanem po boku Nimrata Kaura a nadějným Nawazuddinem Siddiquim. Indický kritik Baradwaj Rangan byl kreativnější. Jíst, bloudit, milovat, shrnul. Bombajská proslulá služba dabbawala, která je jinak známá svou efektivitou, doručuje horkou krabičku na oběd vdovci Saajan Fernandesovi (Khan) namísto jeho právoplatného vlastníka, manžela hospodyňky Ily (Kaur). Vzácný výpadek dabbawaly vyústí v jeden z nejpůvabnějších milostných příběhů, jaké v hindském kině uvidíte, návrat k jednodušší estetice a neobyčejnému životnímu stylu, který by mohl v Bombajkách působit trochu nostalgicky. V rozhovoru pro India Today Batra poskytla určitý pohled na chybu doručení. V příběhu jsou rozptýleny magické realistické prvky. Publikum si může vyvodit vlastní závěry, ale nemyslím si, že to (chyba doručení) je chyba. Cítím, že je to zázrak. The Lunchbox, natočený pomalým tempem románu (který umožňuje jemné kreslení postav), je mistrovskou ukázkou dovedností Irrfana Khana, když se pokouší zobrazit vnitřní život každodenního návštěvníka kanceláře, který možná zapomněl na význam naděje. , láska a život sám. Ila rozdmýchává jeho dřímající emoce a po dlouhé výměně tajných dopisů zastrčených v krabici s obědem si cizinci konečně sebrali odvahu k setkání. Jednou z radostí The Lunchbox je nepravděpodobné spojení Irrfana Khana a Nawazuddina Siddiquiho, ale když film uvidíte, možná nebudete schopni odhadnout symbolické předání pochodně – ani nevinný divák by nebyl schopen předvídat Nawazův legendární vzestup ke slávě. . Toto je film o poetické, nefanfárové obyčejnosti, nudě a hučení skromných životů a jejich touze, dnešních Chhoti Si Baat, Baton Baton Meinand Wagle Ki Duniya.
Loď Theseus (2013)
„Hamare har kaam ka prabhav kaal akash par rehte har parmanu pe padhta hai“ – mnich Maitreya
Záběr z filmu Théseova loď. (Foto: Recyclewala Films)
Když v roce 2013 vyšla loď Wunderkind Anand Gandhi’s Ship of Theseus, Shekhar Kapur, Sudhir Mishra a Dibakar Banerjee se okamžitě prohlásili za fanoušky. Kontemplativní a povznesená loď Theseus čerpá svou sílu z konceptů filozofie, identity, etiky a náboženství. Pro tak mladého filmaře (Gándhímu bylo v době vydání pouhých 33 let) to bylo docela sousto. Inspirováno Plutarchovým podobenstvím, které klade neobvyklou otázku: ‚Pokud se časem vymění všechny části lodi, je to skutečně ta samá loď?‘ Ship of Theseus mění myšlenkový experiment v pojednání využívající dárcovství orgánů k podtržení lidské volby a morálky. První se odehrává ve třech paralelních zápletkách a v prvním představuje nevidomou fotografku (Aida El-Kashef), která se vyrovnává se svým postižením. Dále se setkáme s přívětivým džinistickým mnichem (Neeraj Kabi jako Maitreya), který je uvězněn mezi smířením existence a přežití se svou pevnou morální etikou a ideologií, která ohrožuje jeho samotný život. V boji za zmírnění „utrpení“ jakéhokoli druhu moudrý muž odmítá léčbu s odůvodněním, že léky byly testovány na zvířatech. A co násilí, kterého se na sobě dopouštíte tím, že neberete léky, tvrdí Charvaka, mladý právník frustrovaný Maitreyovým tvrdohlavým pohledem. Z pohledu Maitreyi spočívá odpověď na těžkou otázku „smyslu života“ v osvícení a případném osvobození od věčného utrpení života a smrti. Třetí – a nejnápadnější epizoda – patří burzovnímu makléři Navinovi (Sohum Shah), který se ve snaze o vykoupení vydává na cestu až do Švédska, aby pomohl chudému muži získat zpět ledvinu. Všichni tři protagonisté, stejně jako osudová loď, viděli, jak se jejich části těla mění. Ale kdo ví, kousek jejich původního já ležel pohřben někde v troskách jejich nových těl? Vizuálně vznešená, plná inteligentních nápadů a mozkových argumentů a pocta kinematografii jako nádobě pro myšlení a filozofii, Loď Theseus kouzlí hádanku o životě a existenci a jejích tajemstvích a významech. Sledujte také: Rahi Anil Barve’s Tumbbad (2018) ze stáje Gándhího je vizuální hostinou, ožívá gotický mýtus.
Hazaaron Khwahishen Aisi (2005)
„Proto nechápu, jak vy bohaté děti hrajete tuto hru „změňme svět“. Zatímco ty hledáš cestu ven, já hledám cestu dovnitř – Vikram
Chitrangada Singh a Shiney Ahuja v Hazaaron Khwaishein Aisi. (Expresní archivní foto)
Zasněný, bitvou zocelený Sudhir Mishra bojoval za „nezávislosti“ dlouho předtím, než tento termín získal měnu. A přesto musel stříbrovlasý, charismaticky rozevlátý filmař bojovat o relevanci téměř každé desetiletí. Nikdo nenaznačuje, že všechny jeho filmy jsou skvělé – přiznává, že některé jsou halki (lehké) – ale ty, kterými je nejznámější, přežily zkoušku času. Patří mezi ně Dharavi (1991) a kultovní Yeh Woh Manzil To Nahin (1987) a Is Raat Ki Subah Nahin (1996). Hazaaron Khwahishen Aisi je zdaleka nejdokonalejším filmem z celé řady, filmem tak silně osobním, jako politickým, který dokáže trefit tu správnou notu mezi anarchií a romantikou Mirzy Ghaliba a nemístným idealismem a emocionálním násilím naxalismu. Hustě vrstvený a dobře zahraný film Hazaaron Khwahishen Aisi ze 70. let v Dillí zachycuje životy přátel Siddhartha (Kay Kay Menon), Vikrama (Shiney Ahuja) a Geety (Chitrangada Singh).
Socialista Siddharth se bouří proti svému privilegovanému původu, aby vyvolal revoluci. Vikram je pravděpodobně jeho opak – zanedbaný syn bohatého otce, který chce zbohatnout. Nakonec se stane mocným fixátorem v kruzích Dillí. Vyrovnanější z těchto dvou, Geeta je jejich rozptýlením. Při svém prvním vystoupení se Chitrangada Singh nápadně podobá velké Smitě Patil, takže se ptáte, zda Hazaaron Khwahishen Aisi byla natočena v 80. letech, s Patilovou obsazenou po boku Naseer-Om Puriho, jaký druh filmu by se z toho stal. Zbožné přání!
Mezitím si Mishra užívá vkládání všech prázdných řečí o revoluci, sociální spravedlnosti, rovnosti a změně do úst svých postav. Ve scénách, které by dnes mohly více rezonovat, otevírá film v prostředí podobném JNU, kde děti Boba Dylana a Jimiho Hendrixe tančí a pijí celé noci, i když zvedají „laal salaams“ a sní o míru a prosperitě, jak říká cynický Vikram. Mishrin ironický humor je krásně zakomponován do scénáře. Například scéna, ve které bohatý majitel domu trpící infarktem souhlasí s tím, že se nechá ošetřit lékařem z nižší kasty, dědicem, který stále věří v socialismus, ale nemůže odhodit ozdoby bohatství, nebo když Vikram močí pod širým nebem, zpěv, Pokud existuje blaženost, je to toto. Film je silně poháněn nostalgií. Je to jak paean, tak elegie snů a dekadence sedmdesátých let, generace, kterou jsem zbožňoval, a také generace, která selhala, řekl Mishra jednou pro časopis Outlook a dodal: Kromě toho je tu také krása, mládí a vášeň. A když odezní, myšlenka lásky stále zůstává. Není divu, říkají mu ‚nevyléčitelný romantik‘.
100 bollywoodských filmů, které můžete sledovat ve svém celoživotním seriálu | 10 společensky relevantních filmů z Bollywoodu | 10 základních hindských kriminálních thrillerů | 10 adaptací z knihy do filmu | 10 paralelních filmových klasik | 10 bollywoodských gangsterských filmů
Dil Chahta Hai (2001)
„Hum cake khaane ke liye kahin bhi jaa sakte hai“ – Sameer
Akshay Khanna, Saif Ali Khan a Aamir Khan v Dil Chahta Hai. (Expresní archivní foto)
Přátelství, výlety, dospívání a dysfunkční rodina jsou jádrem filmu Farhana a Zoyi Akhtarových a Dil Chahta Hai je jejich nejvyšším úspěchem. Více než to, že film je skutečně o „lásce“ – a o tom, jak na ni protagonisté reagují. Akash (Aamir Khan) má odpor k lásce. Co to všechno je? ptá se temperamentní Shalini (Preity Zinta). Vyjde za ním a pokrčí rameny: Nedostaneš to. Sameer (Saif Ali Khan) si naopak plete zamilovanost s láskou. Zralejší z těch dvou, rezervovaný Sid (Akshaye Khanna) je jediný, kdo skutečně chápe význam lásky. Jeho láska k mnohem starší Taře (Dimple Kapadia) je hluboká, což jeho rodina a přátelé zpočátku plně nechápou. Odpalovací rampa Farhana Akhtara neobsahuje žádné filozofické úvahy o povaze přátelství a lásky, ale přináší ty správné emocionální údery. Po 19 letech zůstává svěží a vtipný jako vždy.
